L’extase de la possédée : entre psychiatrie et religion

Philippe Poison a publié sur Criminocorpus une brève attirant mon attention sur un article sur « L’affaire des possédés de Loudun » publié sur Retronews.

Vers 1632 à Loudum, un prêtre, Urbain Grandier, est accusé par des religieuses d’avoir pactisé avec le Diable, le pacte en question sera d’ailleurs présenté comme preuve à son procès, on est loin d’accusations métaphoriques.  C’est au cours d’un exorcisme, que le Diable s’exprime par la bouche des religieuses sur ses forfaits, dénonçant son discipline Grandier.  Ce dernier sera condamné à être brulé vif le 18 aout 1634.

Retronews s’appuie pour narrer les faits sur un article paru dans le journal Le Globe presque deux siècles plus tard en 1825. Il est signé d’un médecin, Alexandre Bertrand, qui reprend la description de l’affaire en substituant à son analyse religieuse une interprétation qu’il nomme philosophique et que l’on qualifierait aujourd’hui de psychiatrique. [Si on était dans un Colombo, je vous dirais dés maintenant que c’est l’hystérie qui a tué].

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La qualité des murs

En Chine, le mur est en acier, L’Equateur pose des panneaux de ciment, entre la Somalie et le Kenya le choix de porte sur un mélange de ciment et de barbelés.

Après avoir présenté quelques murs récents et les matériaux dont ils sont fait, Elisabeth Vallet, met en perspective l’emmurement actuel du monde avec la joie et l’espoir qu’avait suscité la fin du mur de Berlin. Ma première expérience de voyage scolaire avec l’école à l’étranger, classe verte ou grise en l’occurence, c’était en Allemagne à Berlin… à l’automne 1989. J’ai rien compris hein. J’en garde que le souvenirs d’adultes sens dessus dessous qui ne nous calculaient plus du tout et d’un bout de mur que j’avais ramené à mes parents. C’est un peu fou je trouve à l’échelle d’une vie d’avoir à comprendre les réinterprétations constantes du sens moral des choses. 1989, mur = atteinte à la démocratie censée devenir seul système politique du monde. 2017 : mur = protection contre l’extérieur convenant à tous les régimes politiques.

Le monde s’emmure dans l’imaginaire et dans la vie.

Montage d’une déclaration de Donald Trump et d’un extrait de Doomsday (Marshall, 2008), film d’infectés mettant en scène une Angleterre emmurée se protégeant de l’Ecosse.

Montage d’une déclaration de Donald Trump et d’un extrait de Machete (Rodriguez, 2010), film hommage au cinéma d’exploitation mettant en scène la construction d’un mur entre le Mexique et les Etats-Unis.

Le mur est-il notre nouvelle norme de conception des relations à l’autre ?

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Radioscopie de la peur : une histoire du film d’horreur

Peut-on prendre plaisir à éprouver de la peur ? « Tout ensemble dans la salle aux fauteuils rouges (…) on se tiendra chaud et on aura moins peur ». C’est la programmation d’été sur France Culture, l’occasion de ré-écouter une émission de Sur les docs, diffusée pour la première fois le 19 mai 2014.

Dés le lancement, on se retrouve face à deux dimensions emblématiques des représentations du cinéma d’horreur. L’animatrice parle de la faible (nulle) représentation du genre horrifique au festival de Cannes. Son premier invité indique qu’il a développé un intérêt pour le genre à l’adolescence. Le cinéma d’horreur : des films oui mais.

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Ecrire sur le cinéma d’animation (DL 31/07/17)

La NEF, Nouvelles écritures pour le film d’animation, propose un colloque sur le thème « Ecrire sur le cinéma d’animation » les 1er et 2  décembre 2017 à l’INHA (Institut National d’Histoire de l’Art) à Paris. Les propositions de communication sont à envoyer avant le 31 juillet 2017.

Alors que les discours contemporains sur le cinéma d’animation semblent de plus en plus nombreux et gagner en visibilité à l’ère du numérique, suscitant de plus en plus de curiosité de la part de la communauté scientifique et du public, ce colloque se propose de réfléchir à un premier état des lieux des transformations de ces pratiques écrites et des écritures modernes et contemporaines sur le cinéma d’animation, en France et à l’étranger, afin de faire le point sur cette production dont la diversité des approches et le rayonnement géographique témoignent de la dynamique et de la richesse actuelles.

Extrait de l’appel à com, que vous pouvez consulter ici.

La beauté du pire : Le radeau de la Méduse.

Il y a bien longtemps, dans une notre galaxie, l’école primaire organisa un premier voyage à Paris. Je ne me souviens que de trois choses : le long trajet en car, la nuit en Auberge de jeunesse et la visite au Louvre. De la visite au Louvre, je ne me souviens que d’une statue et d’un tableau. La statue, c’était la Victoire de Samothrace, première humiliation culturelle à m’être restée en mémoire, j’ai eu le malheur de demander pourquoi on exposait des statues cassées.

Le tableau, c’était le Radeau de la Méduse de Géricault. Je me souviens d’abord avoir été scotchée par la taille du tableau, je ne savais plus où regarder, je me suis sentie projetée à l’intérieur du tableau. Je suis restée devant jusqu’à ce que ma maîtresse vienne me chercher et j’ai utilisé tous mes sous à la boutique pour m’acheter une reproduction format A4 qui est restée affichée dans ma chambre jusqu’à ce qu’on déménage. J’ai beaucoup inquiété la maîtresse qui a essayé de m’expliquer le sujet du tableau. Je ne comprenais pas qu’elle insiste sur le fait que c’était des personnes mortes et mourantes comme si cela devait être quelque chose qui m’échappait. J’avais bien compris. C’était bien ça qui me fascinait. Tous ces corps dans des mouvements, des positions, des couleurs bizarres où on ne sait parfois pas où commence l’un et où finit
l’autre.  Dans ma chambre je l’ai ensuite scruté de nombreuses fois cherchant le détail de ces corps, remarquant que certains avaient l’air de s’en tirer mieux que d’autres, imaginant des histoires sur comment certains vivants étaient parvenus à escalader les morts pour survivre. J’étais persuadée que le tableau était comme la photographie du moment juste avant le sauvetage. Je voyais bien la mort mais  j’étais concentrée sur la survie, d’où certainement le fait que le caractère macabre du tableau de m’effrayait pas.

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Revue : Transposition Musique et Sciences sociales

Diffusée sur revues.org, Transposition. Musique et sciences sociales est une revue à comité de lecture soutenue par l’EHESS et la Philharmonie. C’est une découverte de découverte, i.e. c’est en visitant le blog Music, Sound and Conflict que j’ai pris connaissance de son existence.

La revue se fixe comme objectif « de comprendre les objets musicaux comme des faits sociaux qui participent à leur tour à la fabrique du social. » Le rythme de publication est annuel. Chaque numéro est thématique et ces dernières sont très variées, « Musique et théorie queer » en 2013, « Figures du chef d’orchestre » en 2015, « Le prix de la musique » prévu pour 2017.

Picorons un peu.

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Nouveau blog : Music, sound and conflict

En passant sur la page d’accueil d’hypotheses.org hier, j’ai été attirée par le titre d’un nouveau blog : Music, sound and conflict.

Page d’accueil du blog

Dans sa présentation, le blog indique présenter une recherche centrée sur la dimension politique de la musique et du son en s’intéressant plus particulièrement à leur utilisation dans la propagande,  les conflits et les formes de résistance et résilience qu’ils peuvent engendrer. Le tout aussi bien dans les régimes démocratiques qu’autoritaires. Le principal auteur du blog est Luis Velasco-Pufleau musicologue et musicien.

J’ai été attirée par le propos parce que lors de mon passage à la Philarmonie pour le colloque 40 ans de punk en France, j’ai acheté La musique en colère de de Christophe Traïni qui depuis m’attend tranquillement sur une étagère.

Il y avait déjà trois articles quand j’ai visité le blog le 19 juin 2017, un en anglais et deux en français. De quoi se faire une idée sur les thématiques qui y seront abordées. « « We are the world »: music and propaganda in democracy » propose des extraits d’un article publié par Luis Velasco-Pufleau dans le catalogue d’exposition  After the Fact. Propaganda in the 21st century. « La musique comme voie possible d’une histoire comparée des conflits armés«  présente l’essentiel d’un entretien réalisé en 2014 avec l’historien Didier Francfort. « Improvisation libre : expérimentation musicale et politique » présente le livre de Matthieu Saladin qui « développe une réflexion approfondie sur les implications de l’improvisation libre en tant que pratique musicale liée aux luttes politiques, économiques et sociales de la fin des années 1960 et du début des années 1970.« .

Tout ça m’ayant mis cette chanson dans la tête, il n’y a pas de raison que vous y échappiez, niac, niac, niac etc.

Salut à toi Goeland

C’est en paraphrasant les célèbres paroles d’une chanson punk antifasciste et antiraciste de Bérurier Noir que l’entreprise française de fabrication textile Goeland a tiré sa révérence.

Pendant 28 ans, du bricolage dans une  salle de bain à l’usine en Zone Franche Urbaine, Goeland a produit des vêtements marqués au noms de groupes (punk, metal, rap) et de slogans contre-culturels.    La naissance de l’entreprise tenait à la volonté des membres du groupe Ludwig Von 88 d’exercer un contrôle sur les produits qui en tournée permettent aux groupes d’avoir des rentrées d’argent. Sa fin a la multiplication en France comme à l’étranger de sites permettant à n’importe qui d’imprimer et d’envoyer à coût réduit des vêtements à message.  En prenant connaissance des faits, j’ai l’impression d’un DIY qui reviendrait en boomerang intériorisé par le système capitaliste. Encore un sujet catégorie « OMG faut absolument bosser dessus ».

Voilà quelques éléments s’appuyant sur la lecture de l’article « Du punk au business, la petite entreprise de François, ex-Ludvig von 88 » de Iris Ollivault et Thibault Delavigne publié le 03 octobre 2014 sur le site Street Press.

Merchandising pour ados rebelles

J’emprunte cette expression à l’article. Les auteurs reviennent à plusieurs reprises sur le fait que l’achat du type de vêtements  et d’accessoires (coque téléphone par exemple) vendus par Goeland correspond à un comportement adolescent. On retrouve le lien entre culture juvénile  et style développée par Hebdidge (1).  « Aux puristes, clients de la première heure, s’ajoutent les « gamins qui passent par des phases de recherche » m’explique Stéphane, le gérant de la boutique, en m’assurant que le motif tête de mort et les slogans punks sont indémodables chez les teens. Sur son site, Goeland leur propose jusqu’à 9.000 références. De quoi accompagner toutes les étapes d’une bonne crise d’adolescence. » L’expression merchandising marque quant à l’elle l’extension de la gamme de produits, du t-shirt de groupes de punk à un vaste ensemble de vêtements et d’accessoires dépassant le cadre de la musique.

Dans l’article, il est question de la jeunesse des entrepreneurs comme de leurs clients. Dés le début de l’article, des adolescentes « gloussent » en essayant des vêtements dans la boutique parisienne sous le regard du gérant « un écarteur dans chaque oreille » et qui porte lui-même un vieux t-shirt de Metal. Je trouve cette opposition implicite très présente aussi bien dans mes lectures que dans mes entretiens. On pourrait dire qu’il s’agit d’une mise en tension entre « les purs » et les « consommateurs », entre « les connaisseurs » et « suiveurs de mode » ou entre « l’âge d’or » et « l’époque du tout fout le camp ». On retrouve cela plusieurs fois dans l’article. Le sens de l’achat et avec lui d’objets qui  » sont amenés à signifier et à être resignifiés en tant que « style » sous-culturel. » (Hebdige, 2008) servent à questionner le modèle économique de l’entreprise Goeland.

L’éthique punk et l’esprit du capitaliste

[je m’interromps le temps d’aller cocher dans ma to-do list de vie le fait de paraphraser le titre du premier bouquin que j’ai acheté en socio]. 

En relatant de la parcours de l’entreprise Goeland et de l’entrepreneur, François Gondry, ancien membre de Ludwig von 88, l’article souligne une évolution allant du bricolage domestique à l’entreprise organisée florissante puis déclinante. On peut voir dans cette évolution une tension entre valeurs de sociabilité et de performance.

Au départ, la qualité des t-shirt est faible, ils ont principalement le mérite d’exister et de permettre aux groupes de punk français d’avoir un contrôle sur la vente de produits dérivés. Français Gondry apprend sur le tas, dans l’espace domestique, sa salle de bain puis sa cave, et en mobilisant un réseau de connaissances. « « Je fais le tour des vendeurs de produits de sérigraphie avec mes cheveux bleus, ma 304 peugeot violette et mon fils Jules, qui a quelques mois, sur le dos. Les mecs sont sympas, me filent des conseils, du matos gratuit et me rendent des services. » (Gondry, cité par Ollivault et Delavigne).

L’entreprise prend de l’ampleur et pour pouvoir investir dans des machines, le punk entrepreneur s’associe à de ces rares amis ayant un travail fixe et de l’épargne. Il deviendra directeur commercial de l’entreprise. Dans les années 1990, les produits se diversifient entrainant une série de questionnements successifs sur le sens de l’activité. La sous-culture (toujours pour parler comme Hebdige) dans laquelle s’inscrit Goeland est interprétée de manière de plus en plus extensive : du punk au metal et au rap, des groupes français à la reproduction de t-shirt de grands groupes internationaux. La limite semblant s’incarner dans le fait que l’entreprise n’ira pas jusqu’à commercialiser « des T-shirts de Johnny« . (cité par Ollivault et Delavigne).

Telle que l’histoire est narrée dans l’article, la bataille sur le sens précède la bataille sur les compétences, mais l’entreprise prenant de l’ampleur, il semble de plus en plus difficile de continuer à recruter par cooptation dans le réseau de sociabilité. Selon le responsable du marketing « Suite à quelques mauvaises expériences avec des connaissances, François s’oriente vers des profils qui correspondent plus à la fiche de poste qu’il veut remplir » (cité par Ollivault et Delavigne). Au tournant des années 2000, à la moitié de sa vie, le projet s’est complètement professionnalisé et inséré dans l’économie de marché jusqu’à affronter dans les années 2010 l’épreuve des licenciements. On y retrouve le conflit de valeurs qui semble avoir accompagné l’ensemble du projet. A partir de 2017, Goeland ferme ses lieux de vente physique. En 2017, c’est le site de vente en ligne qui ferme.

 

(1) Hebdige D., 2008,  Sous-culture. Le sens du style, Paris, Zones. Première parution en langue originale  1979.

La planète sauvage sur Arte

le 12 juin Arte a diffusé en seconde partie de soirée une version restaurée de l’animé La Planète sauvage (René Laloux, 1973), qui remporta le prix du jury à Cannes et a rejoint les oeuvres dites cultes. Historiquement, il s’agit du premier animé français pour adultes. Il est fortement inspiré par le courant surréaliste (dessins de Topor) et est souvent décrit comme un exercice cinématographique expérimental (primeur donnée à la musique et au graphisme sur la narration explicative).

On peut voir le film sur le replay du site web d’Arte et sur You Tube.

J’ai eu du mal à entrer dedans car la sexualisation des personnages féminins me gênait vraiment et mon attention s’est progressivement focalisé sur la manière de dessiner les différences de genre ce qui est loin du propos du film.

Ce film, inspiré d’un livre de Stefan Wul  relate du point de vue des oms et des draags sur la planète desquels se passe l’action. Les draags sont l’espèce dominante de la planète, ils asservissent les oms qu’ils utilisent comme animaux de compagnie. Les oms ainsi utilisés sont nommés oms de luxe, leurs congénères ne vivant pas en captivité sont appelés omssauvages. Le héros, capturé bébé par un draag après qu’un autre est tué sa mère par jeu, acquiert d’importantes connaissances sur ses maîtres avant de prendre la fuite avec un instrument qui sous la forme d’un serre-tête permet l’accès aux connaissances des draags. Il rejoint un groupe d’oms sauvages avec qui il s’allie pour affronter les draag qui pratiquent un contrôle des espèces par des procédures de désomisation. La peur du nombre qui agite les draag est attisée par le meurtre d’un draag par des oms. Les oms choisissent de quitter la planète en s’introduisant dans un hangar abritant des fusées abandonnées. Ils arrivent sur un satellite, la planète sauvage, sur lequel les draag se livrent à des rituels de méditation par projection mentale. Sous cette forme ils sont fragiles et les oms peuvent les vaincre, créant un nouveau rapport de force qui conduit à la signature d’un traité de paix.

Le film interroge les rapports hiérarchiques entre espèces conçus par l’espèce dominante, la connaissance et la capacité à s’organiser collectivement sont figurées comme les deux principaux moyens de renverser un rapport de domination.

Guerre froide et affrontement entre espèce

Pour le carnet La lucarne, le film met en scène l’affrontement entre l’ouest et l’est durant la guerre froide, la science-fiction ayant là une portée particulière puisque les deux blocs se livrent à une lutte pour la conquête spatiale. « Ce film est l’histoire de la révolte d’un peuple, d’une recherche de liberté qu’ils obtiendront grâce à la connaissance, aux sciences et aux techniques. Les fusées spatiales représentent ici l’aboutissement de leur épopée et symbolisent la technologie de pointe. » (M-C Matéo, La Lucarne). Le billet insiste sur l’importance des sciences et des techniques dans le film, reflet des terrains sur lesquels se construit le pouvoir politique dans les années 60 et 70. J’ai trouvé ce point de vue intéressant à lire car vu de 2017 et même si j’avais évidemment noté les références technicistes, j’ai plutôt été frappée par la mise en scène des rapports entre espèces dans une perspective darwinienne et non-vegan friendly.

Fable écologique et anti-spécisme

Sur le site de Deuxième page, l’oeuvre est abordée dans sa dimension écologique même si là encore les références à la portée émancipatrice de l’acquisition de connaissances est au coeur de l’analyse. Le sous-texte est jugé porteur d’arguments anti-spécistes « Ces créatures supposées supérieures, adeptes de la méditation transcendantale et ayant accès à une sorte de conscience absolue sont dépossédées d’une chose essentielle : l’empathie.«  (A. Gasquez, Deuxième page). Alors que l’argument techniciste pousserait à voir dans la conclusion du film une métaphore de l’équilibre de la terreur en période de guerre froide, l’argument anti-spéciste voit dans cette conclusion une métaphore de l’harmonie entre espèces.

 

 

Que l’on choisisse, ou pas, l’une ou l’autre de ces explications, on retiendra que le film est construit du point de vue des oms.

 

Le Nanaroscope d’Arte : des morts, de l’eau et Uwe Boll

Pas de panorama des nanars sans zombie et Arte nous comble en consacrant deux épisodes sur les dix que comptent sa série aux zombies.

L’épisode 3/10 Le lac des morts-vivants m’a fait découvrir un film français de zombis mais pas que. Y’a aussi la guerre et donc des explosions et des nazis. Y’a aussi l’amour et donc des fesses et seins. Y’a aussi une symphonie aquatique qui m’a rappelé avec émotion les multiples sorties de l’eau des zombis nazis du film Shock Waves dont il est d’ailleurs question dans cet épisode qui mériterait de se regarder un jour de marché à la terrasse d’un café provençal avec un verre de rosé.

Je ne suis pas arrivée à intégrer le player d’Arte, suivez ce lien pour voir l’épisode.

Dans l’épisode 8 consacré à House of the dead le plus intéressant est la place accordée au réalisateur, Uwe Boll, qui semble bien malheureux d’être catégorisé « réalisateur de nanar ». « C’est totalement absurde la manière dont les gens ont réagi. regardez le jeu c’est un shooter de zombies. Quel était le sens profonde du jeu que je n’ai pas respecté dans le film ? »   Cet épisode offre un point de vue intéressant sur la question de la réception dans sa dimension interactive permise par le numérique, ainsi que sur la hiérarchisation des produits culturels.

A voir ici.

La dame en noir

Toc toc toc Qui est là source : youtube
Toc toc toc Qui est là source : youtube

Dans un échange avec une étudiante en puériculture la semaine dernière, nous évoquions la place des enfants et plus particulièrement de la mort des enfants, dans le genre horrifique. Je pointais qu’ils étaient rarement représentés parce que rarement tués, à contrario des adolescents et jeunes adultes. Je soulignais le tabou de certaines morts lié à notre rapport à la vulnérabilité et à la parenlatité, soit en l’espèce l’évitement de la mort des enfants et des animaux de compagnie ( que celui qui n’a jamais appelé son toutou mon bébé me jette la première pierre).  L’étudiante m’a indiqué en retour que je ne tenais pas compte dans mon propos de films tels que La dame en noir, dont j’ignorais en effet jusqu’au titre.  Cette intervention m’a conduite à me questionner une énième fois sur les critères qui délimitent le périmètre de mon corpus.

Je suis convaincue, avant même d’avoir vu La dame en noir, que ce film n’est pas amené à en faire partie et ce n’est pas parce qu’il n’y a pas de zombie dedans. Alors pourquoi ?C’est le moment d’appuyer sur le bouton Play et d’espérer avoir la réponse dans 1H31.

« You could have save him« 

Tout d’abord, je ne savais pas à quel point le lien entre chien et enfant s’avèrerait prégnant dans ce film, donc… haha. Ce visionnage était une belle occasion de réaliser l’absence de deux des dimensions qui m’intéressent le plus dans ces films de genre soit l’expérience collective et la dynamique de groupe d’une part et le caractère indéterminé des solutions possibles, d’autre part. Ici le film se concentre sur une trajectoire individuelle, un homme se retrouve malgré lui aux prises avec la mort et il va rechercher et trouver une solution pour s’en débarrasser.

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L’implication du spectateur dans la mort des personnages : la mort de Carl dans TWD

C’est l’information rumeur enfin bref de la semaine pour tous ceux que le dernier épisode de saison 6 de The Walking Dead (TWD) avait scoché à leur canapé.  Les dernières images de cet épisode très justement intitulé Last day on earth,  induisent sans la montrer directement la mise à mort brutale d’un des membres de la communauté des survivants menée par Rick Grimes.  Mais qui ?

Les fans ont consacré une énergie et des compétences certaines pour répondre à cette question après avoir remarqué que la scène dans laquelle Negan choisit sa victime est filmée du point de vue de la victime. Il s’agit alors de déterminer selon la position de chacun qui est susceptible d’avoir été roué de coups jusqu’à la mort.

D’autres fans ont procédé à une analyse de la bande-son. L’ensemble permettait d’orienter les spéculations vers Glenn Ree que l’on a pris l’habitude de croire mort au moins une fois par saison.

D’autres encore, réunis sur un site dédié à la série  The Spoiling Dead Fans ont analysé des images du tournage en cours de la saison 7 publiées par la production et croient distinguer dans un coin de la photographie l’arc de Daryl Dixon (qui doit donc être vivant à moins que quelqu’un d’autre ne  tienne son arc, bref on  en sait rien).

Selon d’autres spéculations la mort attendue ( donnée probable à 50%) était plutôt celle d’un personnage secondo-secondaire comme Eugène Porter. Cette rumeur est entretenue par une certaine conception de la justice que l’on  pourrait rapprocher de la loi du Talion : « Et si un plus grand malheur advient, tu donneras vie pour vie ; œil pour œil, dent pour dent » (Exode, 21, 22-25). Eugène a livré à la mort ses compagnons en avouant leur position. Bien avant cela, il avait feint de pouvoir fournir un remède au virus zombificateur, afin de se faire protéger par d’autres survivants au péril de leur propre vie.

Le site L’Internaute attribuait au mois d’avril une  probabilité mortelle de seulement 30% à Carl, le fils adolescent de Rick.  C’est pourtant la mort de ce personnage qu’a confirmé cette semaine Robert Kirkman, auteur de la bande dessinée et producteur exécutif de la série…. ou pas.

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L’homme est un zombie comme les autres (1)

life-940427_1920Le 1er avril dernier, Alexander Burns, qualifiait Donald Trump de candidat zombie dans un article publié dans le New York Times.  Cette référence à une créature de fiction morte-vivante  pour qualifier un être humain réel et vivant est loin d’être isolée.

En février 2016, dans le Monde diplomatique,  Frédéric Lordon comparait les classes populaires a des   » morts mal tués et mal enterrés » dont on sait bien que le problème est alors « qu’ils reviennent »  toujours,  chômeurs et actifs précaires formant « une sacrée armée de zombies« .

Qu’est-ce que l’usage de la figure imaginaire du zombie permet de qualifier dans notre société ? La question fera l’objet de plusieurs posts (parce que j’écris lentement mais que je peux vous assommer vite). Commençons par prendre les choses sous l’angle du rapport entre puissance et fragilité. L’homme zombie tiendrait sa puissance comme sa faiblesse du fait qu’il ne s’arrête jamais, que cela lui permette de tout terrasser sur son passage comme Donald Trump ou d’être terrassé par la répétition sans fin de son quotidien comme le chômeur.

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Le monstre : être étranger et familier

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source : wikipedia

François Chobeaux rappelle en introduction de son article sur la normalité des monstres, les termes par lesquels la presse et l’opinion publique qualifièrent Mohamed Merah en mars 2012 et  Anders Breivik en juillet 2011, « monstre« , « en dehors de l’humanité« .

Lorsqu’un homme perpètre un acte terrifiant d’autres hommes, ces derniers le qualifie de monstre, indiquant par là que l’acte comme l’homme qui l’a commis défient notre compréhension, nous sont étrangers.

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Z pour…

computer-1111438_1920L’objectif de ce carnet est de documenter un processus de recherche et d’enseignement sur l’imaginaire de la mort dans la culture populaire.

Je m’intéresse à la mort biologique et sociale telle qu’elle s’enracine dans des genres cinématographiques ou musicaux qui ne correspondent pas aux normes esthétiques de notre société.

Autrement dit je déterre les cadavres et les restes de notre société dans les cultures de mauvais genre. Et je tente de vous convaincre de réfléchir avec moi au fait que des films de zombies, au mouvement punk en passant par les délinquants du coin de la rue de The Wire , la culture populaire nous parle de la mort et de la survie de notre société. Ce qui m’intéresse particulièrement, c’est le constat qu’on s’accorde avec autant de facilité à admettre la possibilité de survie qu’on se refuse avec force à regarder en face les inégalités et les laissez-pour-compte que suppose cette survie.